viernes, 30 de diciembre de 2016

Mi Patrimonio Intangible

Fritada

Ingredientes

  • Carne de Chancho
  • Cebolla Blanca
  • Sal
  • Ajo

 Preparación: 
Se pone a cocinar la carne de chancho en trozos con un poco de agua junto con el ajo, la cebolla blanca en trozos y sal.
Dejamos hervir hasta secar el agua, a continuacion de ello se dora con la propia manteca que sale de la carne, una vez dorado se sirve acompañado de mote o choclo, maiz tostado, verde o maduro y salsa de cebolla y tomate.

   



¿Porqué considero la fritada de mi mamá un patrimonio intangible para mi?
Por que este plato aparte de ser  tipico en el  Ecuador, para mi familia y para mi nos parece que la fritada que prepara mi mamá puede ser un patrimonio intangible ya que la sazón de mi mamá es muy rica y es una delicia cuando la prepara, aparte que cuando se hace la fritada toda mi familia ayuda en algo, para compartir un tiempo entre todos y al final poder degustar esta delicia que es la fritada.





Belle Époque

La Belle Époque

Belle Époque se uso para llamar a la época de la historia de Europa comprendido entre las últimas dos décadas del siglo XIX y el estallido de la Gran Guerra de 1914. Entre abril y noviembre de 1900.
París fue sede de una espectacular Exposición Universal, fue visitada por cerca de cuarenta millones de personas. Mostró ante todo una realidad: la extraordinaria confianza que Europa tenía en sus valores y en el futuro. La ascendencia del pensamiento, del arte, de la literatura, de la música (Wagner, Verdi, Puccini) europeos, era en 1900 indiscutible. Londres era en ese año «el corazón del mundo» (en palabras de H. G. Wells). París era el centro del arte y de la vida elegante, que tenían su prolongación en Montecarlo, la Costa Azul, Brighton, el Lido veneciano, la Riviera italiana, Baden-Baden, Biarritz (y cerca de ésta, y para España, en San Sebastián). Berlín, Viena, Praga, Múnich, Barcelona, Roma, Florencia eran los epicentros de la modernidad. El mundo parecía fascinado por el legado histórico y artístico de la civilización europea: el mejor novelista norteamericano, Henry James (1843- 1916), hizo de ello el tema de varias de sus mejores obras (Daisy Miller, Retrato de una dama, La copa dorada). Magnates americanos como Frick, Mellon o Isabella S. Gardner compraron fabulosas colecciones de pintura europea.
Sin duda, gran parte de Europa, tal vez el 50% de la Europa occidental y un 90% de la Europa del Este seguían siendo una Europa rural. Pero ello era en parte engañoso. Londres, con 6,5 habitantes en 1900, era el centro financiero del mundo, un puerto fluvial de actividad trepidante e intensa, y el principal núcleo industrial de su país. Centralizaba la red nacional de carreteras y ferrocarriles, que basculaban sobre sus grandes estaciones (Victoria, Paddington, Euston, Waterloo). Desde 1900-1910 disponía de una completa red de metro electrificada. Tenía autobuses urbanos desde 1904, y taxis desde 1907. Era el centro del gobierno y del Imperio británico, administrado desde Whitehall. Estaba bien dotado de grandes hoteles, restaurantes y cafés de lujo (como el Royal, local favorito de Oscar Wilde); de grandes museos y centro de arte (el Museo Británico, la Galería Nacional, la Galería Tate abierta en 1897, el Museo Victoria y Alberto de 1909). Londres era la capital del consumo con grandes almacenes como Harrod’s (1905), Marks and Spencer (1907) y Selfridges (1909), además del comercio de lujo para la aristocracia y la alta sociedad en calles como Bond y Jermyn.

La sociedad en la Belle Époque

Las dos últimas décadas del siglo XIX y primeros años del XX la Belle Époque, como nostálgicamente se le llamó en Francia después de la Primera Guerra Mundial (equivalente a la edad dorada de los Estados Unidos y a la Inglaterra eduardiana) fueron para Europa una etapa de profundas transformaciones económicas y sociales. La segunda revolución industrial (acero, electricidad, industria química…), el desarrollo industrial y urbano, multiplicaron las oportunidades de empleo y de movilidad social. Las clases medias médicos, abogados, arquitectos, ingenieros, funcionarios, profesores, comerciantes, propietarios, empleados, administradores, técnicos, intermediarios, viajantes, almacenistas, etcétera fueron las principales beneficiarias de ello. El sector servicios ocupaba en Gran Bretaña en 1911, por ejemplo, al 45,3% de la población laboral; un 30% de la población se definía como clase media. La clase obrera industrial, vinculada a la minería, a las industrias siderometalúrgica y química y a los ferrocarriles, adquirió estabilidad y conciencia de su identidad como clase: dos hitos de la literatura de la clase obrera europea, Germinal de Zola y Los tejedores de Gerhart Hauptmann aparecieron en 1885 y 1892, respectivamente. En torno a 1900, la clase obrera industrial estaba integrada en Gran Bretaña por unos 13,8 millones de trabajadores (de ellos, cinco millones de mineros) de una población total de 41 millones, en Alemania por unos once millones (un millón de mineros), por cerca de seis millones en Francia y en torno a los tres millones en Rusia y a los 2,5 en Italia.
La vida colectiva se había modificado. En las grandes ciudades, adquirió un carácter impersonal y anónimo, donde la ascendencia de las familias y personalidades notables se circunscribía cada vez más a sus propios círculos y ámbitos clubs, salones, hipódromos, ópera, casinos, parques o avenidas distinguidas de la ciudad, lugares de veraneo y donde la influencia de la vida religiosa y de las iglesias se desvanecía. La prensa conformaría de forma creciente la conciencia de las masas urbanas. La presencia de éstas en las calles y lugares públicos, y la aparición de nuevas formas de cultura colectiva (el music hall, la prensa popular y sensacionalista, el cine, los espectáculos deportivos), testimoniaban el cambio.


La aristocracia y la alta burguesía

Las zonas residenciales elegantes del West End de Londres (Belgravia, Mayfair) acogían los magníficos edificios de estilo clásico de las clases acomodadas y las grandes mansiones de la aristocracia, y los grandes edificios administrativos y de servicios.
El gentleman, prototipo social de la Inglaterra victoriana y eduardiana, cuyas maneras se condensaban en la expresión fair play («juego limpio»), fue un ideal de cortesía, comedimiento y mesura. En París, las clases acomodadas fueron abandonando el centro desde 1880, desplazándose hacia las proximidades de la Plaza de la Estrella, nuevo y muy lujoso barrio para la alta sociedad: Proust, por ejemplo, se instaló en 1919 en el número 44 de la calle Hamelin.
Los elegantes retratos que de la aristocracia y alta burguesía de la Belle Époque europea (y norteamericana) hicieron pintores de gusto convencional y calidad técnica extraordinaria como John Singer Sargent, Giovanni Goldini, Philip de László y Ander Thorn (también Sorolla, Zuloaga y otros), expresaban la seguridad que las clases dirigentes tenían aún –antes de 1914– en sus valores, estilo de vida y prestigio social. Sargent, concretamente, pintó más de ochocientos retratos, todos bellísimos.

Cueva de Lascaux

La cueva de Lascaux

La cueva de Lascaux es un sistema de cuevas en Dordoña (Francia) en donde se han descubierto significativas muestras del arte rupestre y paleolítico.
La cueva fue descubierta el 12 de septiembre de 1940 por cuatro adolescentes: Marcel Ravidat, Jacques Marsal, Georges Agnel, y Simon Coencas, acompañados del perro de Marcel: Robot. El acceso público se facilitó tras la Segunda Guerra Mundial. Hacia 1955, el dióxido de carbono producido por los 1200 visitantes que la cueva recibía al día dañó la misma visiblemente.
En mayo de 1940, cuando los alemanes invadieron Francia a comienzos de la segunda guerra mundial, un profesor ya sexagenario se sumó a la oleada de parisinos que huían hacia el sur del país. Se llamaba Henri Breuil, aunque se lo conocía como abate Breuil por su condición de clérigo, y era la mayor autoridad en arte paleolítico de la época, el hombre que había explorado y calcado prácticamente todo el arte parietal que, desde el descubrimiento de Altamira en 1879, se había ido hallando en España y Francia.
Breuil abandonó París en un coche alquilado. Con él iban sus documentos científicos y una selección de sus colecciones de cráneos humanos fósiles, arte mueble y huesos grabados del Instituto de Paleontología Humana y el Museo del Hombre, donde trabajaba. Se instaló en la población de Brive-la-Gaillarde, en casa de un antiguo compañero de seminario, Jean Bouyssonie. Fue allí donde, el 21 de septiembre de 1940, un maestro retirado, Léon Laval, alcanzó a remitirle un mensaje: en su pueblo, Montignac, a unos 25 kilómetros de Brive, había aparecido una cueva con pinturas prehistóricas. Se llamaba Lascaux.
La cueva fue cerrada al público en 1963, para así preservar el arte. Después del cierre, las pinturas fueron restauradas a su estado original y actualmente se está realizando un seguimiento diario.

El tesoro escondido

El nombre de la cueva procedía de una familia noble, los Labrousse de Lascaux, a la que perteneció un castillo abandonado situado cerca de Montignac. Junto al castillo había una cueva envuelta en leyendas locales. Se decía que durante la Revolución Francesa un sacerdote de la familia se había refugiado en ella y que la entrada había sido tapada para ocultar un tesoro; en realidad, el supuesto sellado quizá se debió a un corrimiento de tierras. Hasta se escuchaban misteriosos sonidos procedentes de su interior. Cuando, hacia 1920, un abeto fue derribado por una tormenta, sus raíces volcadas hicieron que quedara despejada la entrada a la gruta, pero los ganaderos de la zona la cubrieron para evitar riesgos al ganado, pues un burro desapareció en sus entrañas.
El 8 de septiembre de 1940, Marcel Ravidat, un adolescente de 17 años, y su perro Robot decidieron ir en busca del tesoro de la cueva de Lascaux. Tras mucho rondar, al final de la tarde fue el perro quien dio con un hoyo de un metro de diámetro por metro y medio de profundidad, oculto entre los matorrales. El perro se puso a escarbar en el fondo y logró abrir un orificio. Marcel arrojó piedras por el agujero y el sonido delató un hueco profundo. La noche se cernía ya sobre Lascaux y había que aplazar la exploración.
Cuatro días más tarde, Marcel volvió con tres amigos de su edad. Con un largo cuchillo de fabricación casera trabajó durante una hora para abrir un orificio por el que se introdujo de cabeza. Una vez dentro se puso a reptar con los codos, iluminando el camino con una lámpara que había fabricado él mismo (era aprendiz en un taller mecánico): una bomba de aceite de un coche con una mecha de algodón. Transcurridos seis metros cayó pozo abajo, rodando sobre nódulos de sílex. La lámpara se apagó, pero pudo recuperarla entre magulladuras y animó a sus amigos a entrar.
Lo primero que encontraron en el camino fue el esqueleto del burro desaparecido. Pero esto no fue todo. Los jóvenes avanzaron unos cuarenta metros hasta llegar a una galería estrecha. Cuando levantaron la lámpara quedaron atónitos: todo el techo estaba tapizado con pinturas de caballos y toros.
Tras explorar la cueva durante dos días, los jóvenes convinieron en hablar con Léon Laval, el maestro jubilado. Al principio, Laval pensó que era una broma. Conducido al lugar, se resistió a entrar por aquel hueco, hasta que una aldeana de setenta años le dio ejemplo. Una vez dentro, Laval comprendió que era un hallazgo extraordinario y se apresuró a avisar a Breuil. Un chico, Maurice Thaon, llevó el mensaje al abate, junto con unos croquis y calcos que él mismo había trazado. Vivamente interesado, Breuil se trasladó de inmediato a Montignac. Pasó en la cueva prácticamente los tres meses siguientes estudiando las pinturas.

Joya del arte paleolítico

Las primeras conclusiones de Breuil no se hicieron esperar. Para él, las pinturas eran del período auriñaciense (que se extiende entre 38.000 y 30.000 años atrás), y en un artículo de 1941 afirmó que Lascaux, "la Altamira francesa", "iguala como valor y como arte al de la caverna cantábrica, y, además, la explica, al modo en que un precursor puede explicar la obra de generaciones posteriores".
Los materiales asociados a Lascaux son magdalenienses y datan de hace 17.000 o 18.600 años
Pero Breuil se equivocaba en parte: los materiales asociados a la ocupación de Lascaux, aunque anteriores a los bisontes de Altamira, pintados hace entre 15.000 y 12.000 años, son magdalenienses, no auriñacienses, y se datan hace 17.000 o 18.600 años, según el análisis de una varilla de asta de reno. Se ha descubierto que en Altamira se pintaba hace más de 35.600 años, precisamente durante el auriñaciense, y que en El Castillo (Puente Viesgo, Cantabria) hay signos con más de 40.800 años.
A partir de Henri Breuil, muchos estudiosos han analizado la riquísima decoración rupestre de Lascaux. Las cifras son apabullantes. En los ochenta metros de longitud de la cueva se han catalogado 1.963 unidades gráficas, entre pinturas y grabados, de las que 915, casi la mitad, son de animales, si bien sólo se identifican con precisión 615.
Encontramos 364 representaciones de caballos, 90 de ciervos, unos pocos toros y bisontes... Lascaux atesora casi la décima parte de todas las manifestaciones gráficas paleolíticas inventariadas en Francia y, desde el principio, aspira, junto con Altamira, al título de capilla Sixtina del arte prehistórico

Cuevas de Altamira

Las cuevas de Altamira

La cueva de Altamira es la máxima representación del espíritu creador del hombre. Todas las características esenciales del Arte coinciden en Altamira en grado de excelencia. Las técnicas artísticas (dibujo, pintura, grabado), el tratamiento de la forma y el aprovechamiento del soporte, los grandes formatos y la tridimensionalidad, el naturalismo y la abstracción, el simbolismo, todo está ya en Altamira.
Es Altamira, a quien Henri Moore llamó en 1934 La Real Academia del Arte Rupestre, la que inspiró a los artistas de “La Escuela de Altamira”, a Miró, Tapies, Millares, Merz o a Miquel Barceló, quien escribió de su arte: "Cuando visité por primera vez Altamira pensé, ha sido como volver al origen, que es el sitio más fértil. Creer que el arte ha avanzado mucho desde Altamira a Cézanne es una pretensión occidental, vana".
A la cueva de Altamira le corresponde el privilegio de ser el primer lugar en el mundo en el que se identificó la existencia del Arte Rupestre del Paleolítico superior. Su singularidad y calidad, su magnífica conservación y la frescura de sus pigmentos, hicieron que su reconocimiento se postergara un cuarto de siglo. Fue una anomalía científica en su época, un descubrimiento realizado en la cumbre y no en su grado elemental, un fenómeno de difícil comprensión para uno sociedad, la del siglo XIX, sacudida por postulados científicos extremos y rígidos.
Bisontes, caballos, ciervos, manos y misteriosos signos fueron pintados o grabados durante los milenios en los que la cueva de Altamira estuvo habitada, entre hace 35.000 y 13.000 años antes del presente. Estas representaciones se extienden por toda la cueva, a lo largo de más de 270 metros, aunque sean las famosas pinturas policromas las más conocidas. Su conservación en las mejores condiciones constituye un reto científico y de gestión del Patrimonio y es el objetivo prioritario y la razón de ser del Museo de Altamira.



Fotos poco convencionales

Fotos poco convencionales 


Fotos tomadas por: Madeleine Paredes

La Prehistoria

¿ Qué es la Prehistoria?

Es el período del tiempo que va desde la aparición del hombre (2.500 000 a.c aprox.) hasta el descubrimiento de la escritura (3.500 a.c aprox.).
La importacia de la escritura como frontera entre la Prehistoria y la Historia, está en que sólo a tavés de los testimonios escritos, podemos conocer con certeza acontecimientos, hechos y creencias de aquellas personas que vivieron antes que nosotros.
Al no existir el testimonio escrito, la arqueología se convierte en el único medio para reconstruir los sucesos de la prehistoria, a través del estudio de los restos materiales dejados por los pueblos del pasado: sus zonas de residencia, sus utensilios, así como sus grandes monumentos y sus obras de arte.
Para su estudio la Prehistoria se divide en tres periodos que se corresponden con la propia evolución de la humanidad, estos son el 
  • Paleolítico: Cuyo comienzo se remonta a hace unos 2.500.000 años. En esta etapa el ser humano utilizaba herramientas elaboradas a base de piedra tallada, hueso y palos. Durante esta época el hombre fue cazador, pescador y recolector, por lo que llevaba una vida nómada y solía colocar sus campamentos en las orillas de los ríos donde se aseguraba el agua y la comida por un tiempo. En esta época se comenzó a utilizar el fuego (hace 1.500.000 años aproximadamente) y se tenían creencias religiosas de carácter mágico y se realizaban ceremonias funerarias.
  •  Neolítico: El descubrimiento de la agricultura (Revolución Agrícola) marco el inicio del Neolítico. El comienzo de esta etapa de la evolución humana es difícil de concretar ya que cada grupo humano descubrío la agricultura en un momento distinto (incluso hoy quedan en América y Oceanía, grupos humanos que siguen viviendo en el Paleolítico y desconocen la agricultura). Como fecha aproximada podemos colocar el inicio de esta época hace unos 5.000 años. Durante el Neolítico, el ser humano descubrió la ganadería y la agricultura (aunque siguiera practicando la caza y la recolección) lo cual le permitió convertirse en sedentario y construir los primeros poblados, así como tener más "tiempo libre" que poder dedicar a otras tareas distintas de la constante búsqueda de comida. El hombre en esta época utilizaba herramientas más perfectas realizadas con huesos y piedras pulidas y comenzó a desarrollar el tejido y la cerámica.
  •  Edad de los Metales: El último periodo de la Prehistoria es la llamada, genéricamente, Edad de los Metales, ya que en él, los seres humanos descubrirán y utilizarán los metales. A su vez este periodo se divide en tres etapas que reciben el nombre de los metales que el hombre fue utilizando progresivamente. La más antigua es la Edad del Cobre, primer metal trabajado, posteriormente vino la Edad del Bronce y por último la Edad del Hierro. Al igual que en el Neolítico, los metales no fueron decubiertos a la vez por todos los pueblos, por eso aquellos pueblos que utizaron el cobre se impusieron a los que sólo utilizaban la piedra, aquellos fueron sometidos por los que usaron el bronce y por último el hierro se mostró durante mucho tiempo como el metal más fuerte. En esta etapa se desarrollan las primeras civilizaciones que acabarían por inventar la escritura, entrando en la Historia.
     
     
    A continuación les presento un Trabajo que realicé en la clase de Arte y Sociedad 

    El trabajo consistia en plasmar lo que creemos que nos ayudará aprobar el Pre- Universitario, pero para poder realizarlo no  utilizamos materiales que haya sido procesado por el hombre, si no que utilizamos materiales que la naturaleza posee.
    Mi trabajo lo realice con una piedra y carbon para poder dibujar, y los colores que pueden observar lo saque del achiote y de la mora.
     
    Experiencia: Fue muy interesante poder realizar este trabajo ya que nos trasladamos a la pre historia, y ver lo increible que se puede hacer con tan solo utencilios que nos brinda la naturaleza.

jueves, 29 de diciembre de 2016

Conceptualismo (1910 - 1960 surrealista) Muerte de los surrealistas

Conceptualismo

Movimiento artístico surgido a finales de los años sesenta directamente derivado de los planteamientos de Marcel Duchamp, y en particular de las aplicaciones de sus "ready-mades"- cuyos adherentes rechazan el arte como artículo de lujo, permanente, portátil y vendible, proponiendo en cambio un tipo de arte en el que cuenta primordialmente la idea o el concepto que respalda sus realizaciones. Para los artistas conceptuales prima el sentido de las obras sobre su forma plástica y el pensamiento implícito en ellas sobre la experiencia sensual.
Se basó en la primacía de la idea o concepto por encima de la técnica o forma final del objeto. Es más, no solo se limitó a objetos bi o tridimensionales (escultura o pintura), sino que incursionó en los actos, como es el caso del happening o el performance, así como también en el video. Cuando se contem`la una obra conceptual no se ve nada más que el medio por el cual el artista intentó transmitirnos una idea. Muchas veces solo vemos las instrucciones de cómo realizar un proceso en el cual intervendremos de modo activo en la obra, siendo nosotros los hacedores de la misma.  


Surrealismo - 1924

Surrealismo

El surrealismo es un movimiento artístico surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.

Retrato en "Vertumnus" (Verano) del emperador Rodolfo II realizado por Giuseppe Arcimboldo. Todos los frutos y flores representados en el cuadro eran propios de la estación del verano en el siglo XVI. Algunos surrealistas vieron en él a un precursor.

Suprematismo (1915 - 1923)

Suprematismo

El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia entre 1915 y 1916. Fue fundado por Kasimir Malévich.Caracterizado por los fondos neutros (principalmente blancos), figuras geométricas (triangulo, cuadrado, círculo, etc.), y la abstracción total del mundo sin objetos, por encima de todo fin materialista o social.
La pintura suprematista se desvinculaba de la naturaleza, creando una realidad totalmente original. Malevich afirmaba que el mundo exterior no era útil para el artista.

Entre las obras mas importantes de Kasimir Malévich tenemos las siguientes:

"El circulo negro"

"Suprematism"

Dadaísmo (1916 - 1922)

Dadaísmo

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Entre los principales representates del Dadaísmo tenemos: 
  • Tristan Tzara
    Poster del Matinée Dadá
  • André Derian
    "La Cadeau"


Abstraccionismo (1910 - hasta nuestros días)

Abstraccionismo

El Impresionismo de finales del XIX, desemboca en unas corrientes emergentes de las dos primeras décadas del siglo XX (Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Pintura Metafísica, Expresionismo, Dadaísmo), posibilitadas por los planteamientos de Cézanne, Gauguin y Van Gogh, creando un caldo de cultivo, que nos va a conducir a unos planteamientos pictóricos radicales. A estos movimientos y tendencias se les denominará Abstraccionismo o Pintura Abstracta.
Por lo tanto, esta corriente artística, surge en contraposición a la figurativa descriptiva, anecdótica y literaria, dando un papel prepoderante a la forma y el color, postulando "la libertad en la creación y el arte como un fin en sí mismo" la vigencia moderna de esta tendencia surge con el artista ruso Vasily Kandinsky en 1910, cuya característica principal de este artista es que no descompone las imágenes como los cubistas sino que imprime a sus obras un impetuoso sentido del color.

  • Piet Mondrian (1872-1944) había sido discípulo de Picasso y, tras el conocimiento de la obra de Malévich, adoptará una fórmula que seguirá toda su vida: compartimenta el cuadro en espacios rectangu­lares o cuadrangulares, separados por gruesas líneas negras de perfecta horizontalidad y verticalidad, y rellena los compartimentos con colores, generalmente simples y homogéneos.

Futurismo (1909)

Futurismo

El futurismo es el movimiento de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

Principales Representantes

  • Umberto Boccioni : Fue un pintor y escultor italian, teórico y principal exponente del moimiento futurista. En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de las materias. Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En cuadros como Dinamismo de un ciclista (Dinamismo di un ciclista,1913), o Dinamismo de un jugador de fútbol (Dinamismo di un giocatore di calcio,1911), las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren eficazmente la idea del movimiento en el espacio.

    "Dinamismo de un Ciclista"

    "Dinamismo de un jugador de fútbol"



Cubismo (1907- 1914)

Cubismo

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.

A continuación algunas de las obras de:

  •  Pablo Picasso
    "Las señoritas de Avignon"
"El sueño"
  •  Juan Gris
 
"Guitarra y Mandolina"

domingo, 4 de diciembre de 2016

Fauvismo (1904- 1908)

Fauvismo

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.

El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
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Protagonista del Fauvismo

Henrry Matisse
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
 
 

La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.

Expresionismo (1905 - 1925)

Edvard Munch

Edvard Munch fue un pintor y grabador Noruego. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. 
Sus obras son como variaciones constantes sobre la gran sinfonía de la existencia humana en sus lados diurnos, pero aún más, como es congruente con la sensibilidad finisecular, en los nocturnos. El amor y el odio, el deseo y la angustia, las pasiones y las emociones, son elevados a arquetipos de la vida anímica del hombre moderno o, incluso, de la propia condición humana.

Algunas de sus obras mas importantes de Edvard Munch tenemos:
  • El grito 

Año: 1893
Técnica: Óleo, temple y pastel sobre cartón
 Medidas: 91 x 74 cm
 Localización: Galería Nacional de Oslo, Noruega


  • Madonna
 
Año: 1894 - 1895
Técnica: Pintura al óleo
Medidas: 91 x 70, 5 cm
Localización: Galería Nacional de Oslo, Noruega 
  • Ansiedad 

 

Año: 1894
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 94 x 74 cm
Localización: Museo Munch, Oslo, Noruega
  • The dance of life
 


Año: 1900
Técnica: aceite, lienzo
Medidas: 190,5 x 126 cm
Localización: Galería Nacional, Oslo, Noruega 

Otto Muller 

Otto Muller, fue un pintor e ilustrador Alemán del grupo expresionista. Muller fue uno de los pintores expresionistas alemanes más líricos. El tema central de sus obras es la unidad de los humanos y la naturaleza, mientras que sus pinturas se centran en una armoniosa simplificación de la forma, el color y los contornos. Se le conoce especialmente por sus típicas pinturas de desnudos una detención de todo un espacio, es como si al ingresar en su obra el sonido de los árboles o el flujo del río se detuvieran para admirar las figuras a su lado.

Entiendo que los elementos retratados en una pintura carezcan de sonidos, pero si vemos con detenimiento toda obra nos habla y todo nos transmite su sonido, todo menos estos paisajes Muellerianos, de alguna manera creó una magia especial en el entorno de sus personajes, entorno que rinde homenaje con su silencio.

 

El tiempo de Muller, es el tiempo del psicoanálisis de Freud, la teoría de la relatividad de Einstein, la posible división del átomo. Es una era que obligó al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta, para ver una realidad escondida a los ojos humanos hasta entonces. Para ver esta esencia de las cosas, lo que no puede verse con ojos, los expresionistas utilizaban la deformación  como único puente para llegar a la “Realidad Real”.


En 1937, 357 obras de Muller fueron confiscadas de diferentes Museos alemanes, por los Nazis. Al tener su tema central basado en desnudos y gitanas, no es difícil comprender la censura Aria. La fascinación de Mueller por el pueblo gitano se originó en sus continuos viajes a través de Europa oriental que realizó en la década de los veinte.

Aparte del  óleo imprimió litografías y unos pocos grabados, seis, en madera así como un aguafuerte.















Datos personales